V/A- Warsaw - Un Homenaje A Joy Division (1995)

Hubo un momento en que no había la sobreexposición a Joy Division que ha habido en los últimos años. Si bien esto ha servido para que se estrene una obra de la calidad de Control (Anton Corbjin, 2007), aunque luego en su banda sonora apareciesen The Killers, haciendo una versión de Shadowplay - que podría haber sido mucho peor- preguntándonos qué coño pintaba ese grupejo que ya apuntaba repulsivas maneras, confirmadas en sus siguientes lanzamientos. Afortunadamente para todos, no pasó de preproducción otro proyecto sobre Joy Division que iba a ser producido por Moby. 

Parece que no se quedó conforme con destrozar New Dawn Fades en la Banda sonora de Twenty Four Hour Party People (Michael Winterbottom, 2002), con New Order y Billy Corgan como cómplices de este despropósito. La película, por otra parte, es la que inicia la recuperación de Joy Division. Desde una perspectiva más desenfadada pero no por ello menos emotiva que Control, presenciamos el nacimiento de la banda, su relativo éxito y el posterior suicidio de Ian Curtis, la víspera del inicio de su gira americana.

En los últimos años el merchandising de Joy Division ha alcanzado una popularidad cuando menos chocante, como la camiseta de Mickey Mouse inspirada en la portada del Unknown Pleasures o la camiseta de Love Will Tear Us Apart que lució uno de los componentes de One Direction en una entrega de premios de MTV, y que tanta repercusión tuvo en las redes sociales, demostrando una vez más el poco humor que tienen muchos fans de Joy Division.

Hay una cosa en la que podemos estar de acuerdo, en que las camisetas de Joy Division no se conviertan en las nuevas camisetas de los Ramones. Esta banalización del legado de la banda de Ian Curtis es lo que no nos gustaría ver a los fans, por lo menos a mí.

Es por una parte me gustarían que las cosas fuesen como antes, es decir, si alguien te decía que le gustaba Joy Division, esa persona ya acaparaba tu interés, y demostraba que su buen gusto estaba fuera de toda duda.

Que siguiese siendo ese gran grupo del que mucha gente había oído hablar y que muy pocos habían escuchado.

Puede que sea lo que estuviese pensando el Colectivo Karma cuando decidió realizar este homenaje con muchos de los mejores grupos de la época. Una especie de labor evangelizadora y de agradecimiento a una banda que editó dos de los mejores discos de la historia de la música: Unknown Pleasures (1979) y Closer (1980).

Hay versiones para todos los gustos, unas más acertadas que otras, pero el nivel es bastante digno:

Automatics se llevan Atmosphere a su terreno, en una versión que es de lo más acertado del disco.

Los Planetas revisan de una manera delicada y emocionante Disorder para finalizarla con la explosión de guitarras más potente de su discografía.

Honey Langstrumpf demuestran otra vez lo buenos que eran realizando una acelerada y casi bailable versión de Dead Souls.

Mercromina realizan una de las más sorprendentes versiones. Ceremony parece más un tema suyo, incluso por la letra, que adaptan líbremente.

Pribata Idaho realizan una muy buena versión de Love Will Tear Us Apart, que se convertiría en habitual en sus conciertos.

La parte más floja son las versiones de El Niño Gusano (sorprendentemente) con She´s Lost Control, los desconocidos para mí Sweetwater. Su The Eternal con voces femeninas no convence.

Lord Sickness ejecutan un flojo y mal producido Something Must Break.

Y la versión de Long Spiral Dreamin´, aún teniendo cariño a esta banda por haberlos visto de teloneros de los Charlatans en uno de mis primeros conciertos en Madrid, es penosa con esas guitarras pseudo-heavies. Al igual que la de Flow, uno de los grupos más mediocres de la escena en esos años. Luego se reinventarían con el excelente Sensazione. 

En fin un disco que me trae muy buenos recuerdos. Disculpad la calidad del ripeo, pero es que mi copia está en un estado lamentable. Buscando en otros blogs quizá encontréis algo de mayor calidad.

Ya sé que últimamente me estoy poniendo un poco pesado con el indie español. Pero estoy en una fase de mi vida en la que no sé si me está empezando a fallar la cabeza o la salud, y me apetece encerrarme en estos sonidos que me recuerdan a una época en la que tenía muy pocas preocupaciones y muchas ganas de vivir.

WARSAW

The Sound - From The Lion´s Mouth (1981)

The Sound es uno de los grandes grupos ocultos de la historia de la música.Tuvieron todos los problemas imaginables en una banda:Drogas,desórdenes mentales,mala distribución de sus discos y problemas con sus discográficas.

A esto se unía una falta de imagen y una ausencia de declaraciones más o menos llamativas en la prensa.No eran unos Echo And The Bunnymen, con los que se les tendía a comparar, con sus abrigos y peinados impecables y con un cantante como Ian Mcculloch, siempre dispuesto a dar titulares.

Y el final no pudo ser más dramático.El 26 de Abril de 1999,tras sufrir de depresión durante más de 14 años, Adrian Borland , el cantante y principal compositor de The Sound,se suicidó lanzándose a las vías de un tren.

En muchas de las letras de sus canciones reflejó esa lucha que tuvo con su enfermedad,en especial en canciones como Fatal Flaw o Possesion, en las cuales y sin muchos aspavientos consigue que seas capaz de empatizar con su estado de ánimo.

Otras como,Silent Air, transmiten una melancolía pero de una forma tan contenida que es difícil de encontrar en grupos de esa época, donde valía todo para conseguir impacto emocional.

En resumen, nos encontramos ante una de las obras cumbres del post-punk.Uno de esos discos y grupos que hay que reivindicar para que no sufran el olvido que tuvieron en su momento.

Por último dar gracias al blog The Commercial Zone,por descubrime este grupo y a Nacho la persona que lo llevaba,que por cierto tiene una de las mejores tiendas de discos de Madrid,Commercial Records(La Palma 78).

Si tenéis algún medio parqa pinchar vinilos,ya que sólo vende principalmente en este formato, os aconsejo que os deis una vuelta por ahí:tiene un material increíble.

Allmusic,dice:"An assured, relatively loose follow-up to the fraught and frayed Jeopardy, From the Lion's Mouth entrenched the Sound's stature as no mere flash in the pan. It should have shot them directly between spots occupied by the like-minded Joy Division and Echo & the Bunnymen as post-punk legends, but the Fates had something else in mind, and so the quartet took their place right next to touring mates the Comsat Angels in the section marked "Deserved Better." With some semblance of a recording budget, the Sound went into the studio with talented producer Hugh Jones on board to accentuate the band's winning atmospherics. As a result, the sound is fuller, less pungent. And speaking of winning, the snake-charming opener "Winning" is like a dash of cold water in the faces of all the bands that were wallowing and withering away at the weeping well: "I was going to drown/Then I started swimming/I was going down/then I started winning." This, in a sense, exemplifies the point that the Sound were not mopes. They had their problems with life, but rather than just vent or escape from them, they confront them and ask questions and attempt to sort it all out. Most of the record has an effortless thrust to it, and only occasionally -- for maximum effect -- does the Sound whip out the heavy artillery. If "The Fire" sounds too bombastic and pummeling, listen closer. The bass is the lead instrument, the keyboards are just as prominent as the guitars, and it only sounds like chest beating compared to the rest of the songs. From the Lion's Mouth shifts, glides, winds, accelerates, and decelerates with all the grace and precision of an Olympic downhill skier. And what a great record it is." by Andy Kellman

Public Image Ltd. - Metal Box (1979)

Este es el disco por el que debería ser recordado John Lydon, Johnny Rotten para los amigos.
Ambicioso,retorcido,oscuro y sobre todo grande, muy grande. Toda una declaración de principios para el que había sido cabeza pensante e icono del punk, muy a su pesar.Estoy si que fue decir: "¡Qué os jodan!".

Tras acabar con los Sex Pistols y tras un viaje a Jamaica invitado por Richard Branson,capo de Virgin, donde intentó que fuera el nuevo cantante de Devo,Lydon se empapó bien de reggae y sobre todo de dub.

Tras un First Issue, donde rompe a medias con el legado de los Pistols, se lanza de cabeza a lo que será su obra maestra y piedra fundacional del post-punk.

Se trata de un disco rompedor, ya desde su envoltorio, una caja redonda de metal donde se podían encontrar 3 maxis, ya sabemos que los discos a 45 suenan mejor, con mucha más calidez, en donde contrastan los bajos de Jah Wobble con el sonido metálico de la guitarra de Keith Levene, ex-The Clash.

Su influencia ha sido enorme y se puede escuchar en grupos como The Rapture o Primal Scream (Jah Wobble aportó su bajo en el penúltimo corte de Screamadelica, Higher Than The Sarts-A dub simphony in Three Parts).

Aunque no es un disco fácil , a cada escucha se le pueden descubrir más y más matices a los que uno se va agarrando hasta que al final te das cuenta del pedazo de disco que es.

Lástima que los sucesivos lanzamientos de P.I.L. fuesen decayendo en calidad y que, al final, John Lydon haya sido devorado por su personaje, Johnny Rotten.

Allmusic,dice:"PiL managed to avoid boundaries for the first four years of their existence, and Metal Box is undoubtedly the apex. It's a hallmark of uncompromising, challenging post-punk, hardly sounding like anything of the past, present, or future. Sure, there were touchstones that got their imaginations running -- the bizarreness of Captain Beefheart, the open and rhythmic spaces of Can, and the dense pulses of Lee Perry's productions fueled their creative fires -- but what they achieved with their second record is a completely unique hour of avant-garde noise. Originally packaged in a film canister as a trio of 12" records played at 45 rpm, the bass and treble are pegged at 11 throughout, with nary a tinge of midrange to be found. It's all scrapes and throbs (dubscrapes?), supplanted by John Lydon's caterwauling about such subjects as his dying mother, resentment, and murder. Guitarist Keith Levene splatters silvery, violent, percussive shards of metallic scrapes onto the canvas, much like a one-armed Jackson Pollock. Jah Wobble and Richard Dudanski lay down a molasses-thick rhythmic foundation throughout that's just as funky as Can's Czukay/Leibezeit and Chic's Edwards/Rodgers. It's alien dance music. Metal Box might not be recognized as a groundbreaking record with the same reverence as Never Mind the Bollocks, and you certainly can't trace numerous waves of bands who wouldn't have existed without it like the Sex Pistols record. But like a virus, its tones have sent miasmic reverberations through a much broader scope of artists and genres." by Andy Kellman

Décima Víctima - Resumen (1994)

Es extraño cuando un grupo que en su momento no alcanzó el éxito merecido y años después es reivindicado por prensa y público. Sus discos de entonces alcanzan precios desorbitados y su antigua casa de discos se niega a reeditarlos en condiciones permitiendo sólo su publicación en vinilo.

Es cuando uno se plantea ciertas cosas: Si una casa de discos no considera rentable una reedición, que no se queje si estos discos aparecen en blogs para su descarga,exactamente como en este caso.

Es parte del mal de las multinacionales con derechos sobre muchos grupos como Décima Víctima.Es el no saber adaptarse a un mercado en el que ya no se venden grandes cantidades de discos pero que reediciones de discos descatalogados, hechas con cariño y con abundante material extra son bien recibidas.

Pero centrándonos en este imprescindible recopilatorio de una de esas bandas que deberían aparecer en lo más alto de la historia del pop español y que son ,sin embargo, una nota a pie de página, no para mí ni para cada vez más gente, la que tiene oportunidad de escuchar algo de este grupo, me permito reproducir las notas de Ibon Errazquin para Resumen:

" Décima Víctima fue un grupo de corta vida y una de las mejores cosas que dio el pop español de los primeros 80.No es que esta opinión fuera unánime: la verdad es que nunca se les prestó demasiada atención y ,tras su separación, fueron olvidados casi por completo.

Después de todo puede que no fueran un grupo fácil de querer.Eran muy propensos al anonimato (apenas recuerdo fotos suyas), y tenían detalles tan poco convencionales como un cantante que pasaba gran parte de sus actuaciones sentado en una silla.Por alguna razón, el público tiende a sentirse incómodo ante estas cosas y ellos conocieron mejor que nadie este rechazo.

Pero lo más importante son las canciones y Décima Víctima grabaron un buen montón de canciones clásicas, desde los tics "siniestros" de sus primeros singles hasta la increíble madurez alcanzada en Un Hombre Solo, su segundo Lp. Canciones que trataban temas como la soledad y la separación con una melancolía y una serenidad poco frecuentes.

Descubrirlos por primera vez debe ser tan agradable como lo es volver a escucharlos después de todos estos años.Nadie debería perderse esta ocasión". Amén

The Chameleons - Strange Times (1986)

Este es otro caso de esos en que un grupo lanza su mejor disco, en en gran sello, con todo de cara para triunfar y ,de repente se va todo al traste.

Parece ser que el motivo fue la muerte de su manager aunque quizás las tensiones internas que ya había saltaron por los aires y el resto ya es historia: separación, disco de reunión en 2001,que ni suma ni resta a la leyenda, y eternas giras de Mark Burgess interpretando los éxitos de Chameleons en solitario o como Chameleons Vox.

Por cierto,a esa gira asistí y la verdad es que nos encotramos con un Mark Burgess en plena forma.Y fue un auténtico conciertazo. Aunque a mí este tipo de conciertos me producen sensaciones encontradas.Por una parte puedes ver al fin, en directo, las canciones de uno de tus grupos preferidos, aunque por otra parte sabes que estas viendo una pequeña estafa.

La más reciente en este estilo fue la gira de Peter Hook, interpretando "Unknown Pleasures", o las giras de From the Jam. Exceptuando en casos en que algún miebro original esté muerto, da rabia no poder ver a la formación original.


Pero,volviendo al disco.Es una auténtica maravilla el tratamiento de las guitarras,creando atmósferas cercanas al dream-pop con toques psicodélicos y prácticamente no tiene ningún segundo de desperdicio a pesar de su duración.

Un único pero: Su horrorosa portada, como todas las de esta banda (que me perdonen los fans más hardcore)

Mis favoritas:In Answer, Childhood y Ever After, esta última incluida como bonus track sólo en algunas ediciones.

All Music, dice:"If there was a should-have-been year in the Chameleons' history, 1986 would clearly be it, and Strange Times demonstrates that on every track, practically in every note. Signed to a huge label, with production help from the Dave Allen/Mark Saunders team who worked on the Cure's brilliant series of late-'80s records (here providing a more balanced sound between guitar effects and direct punch than appeared on What), the Chameleons delivered an album that should have been the step to a more above-board existence on radio and beyond. Right from the start, a stunning upward spiral of a guitar riff begins the unnerving character study "Mad Jack," the bandmembers mix their skills, experience, and songwriting ability perfectly and take everything to an even higher level. The first half continues with three more stunners: "Caution," a semi-waltz that moves well, pulls back, and then slams home, "Tears," a crushingly sad, acoustic ode to personal loss, and "Soul in Isolation," combining a huge majestic wallop with Mark Burgess' anguished study of alienation. And just when you think it couldn't get any better -- "Swamp Thing," the definitive Chameleons song, complex, building, tense, epic, perfectly played (John Lever's drumming is simply jaw-dropping, the Reg Smithies/Dave Fielding guitar pairing totally spot on), and with one of Burgess' most poetic, personal lyrics. It just keeps going from there, the second half covering everything from more sweeping tunes ("Time," "In Answer") to bare-bones melancholy ("In Answer," "I'll Remember"). Bonus tracks: an alternate and equally striking "Tears," the driving "Paradiso" and "Inside Out," and two covers. The take on Bowie's "John, I'm Only Dancing" is a quick fun goof, but the version of "Tomorrow Never Knows" (Burgess especially has been and remains a massive John Lennon fanatic, quoting songs by him liberally throughout his career) surges and soars, beating out by a mile all the times others have covered it. From back to front, Strange Times could never have enough praise. "by Ned Ragget

Playgroup - Playgroup (2001)

Playgroup es ,realmente, Trevor Jackson,activo miembro de la escena hip-hop británica,conocido bajo el nombre de Underdog.

A principos de la década de los 2000 funda su propio sello discográfico,Output Records, en el que grabaría gente como Colder,Dead Combo y otros artistas ,además de licenciar las referencias de DFA para Europa.

Aparte de su faceta de remezclador inició su propio proyecto,Playgroup ,recogiendo sus influencias de Mutant-Disco,Post-Punk,Hip-Hop,etc,en lo que se podría considerar un repaso general de la música de baile de los últimos 30 años.

Desgraciadamente,tanto su sello como su proyecto musical no han tenido continuidad ,a pesar de lo interesante de su propuesta.

Este disco se puede considerar un poco como avanzadilla de lo que dos años después sería el debut de Lcd Soundsytem, en este caso corregido y aumentado.

Destacan aquí las colaboraciones de Edwyn Collins,Katheleen Hanna (Le Tigre) o Gonzales.

En definitiva, un disco que merecía haber tenido más repercusión.
Quizá se adelantó demasiado a la moda Post-punk que desarrollarían con mejor suerte y resultados Lcd Soundsystem o The Rapture.

Disco 1:

1 Number One (feat. Luca Santucci)
2 Pressure (feat. Joi)
3 Front 2 Back (feat. KC Flightt)
4 Bring It On (feat. Kathleen Hanna)
5 Medicine Man (feat. Edwyn Collins)
6 Too Much
7 Make It Happen (feat. Kyra)
8 Surface To Air
9 Overflow
10 Fatal (feat. Sola)
11 Hideaway
12 50 Ways To Leave Your Lover (feat. Shinehead)
13 Fourth Sex Baby (feat. Peaches & Gonzales)

Disco 2:Remix Disc

1 Number One (Black Strobe Remix) (feat. Luca Santucci)
2 Number One (Felix Da Housecatt Remix) (feat. Luca Santucci)
3 Number One (Chicken Lips Remix) (feat. Luca Santucci)
4 Number One (So Solid Crew Remix) (feat. Luca Santucci)
5 Front 2 Back (Todd Terry Remix) (feat. KC Flightt)
6 Front 2 Back (Fatboy Slim Remix) (feat. KC Flightt)
7 Bring It On (Par-T-One Remix) (feat. Kathleen Hanna)
8 Make It Happen (Soulwax Remix)
9 Make It Happen (Zongamin Remix)
10Make It Happen (Ewan Pearson Remix)
11Make It Happen (Midnight Mike Remix)
12 Overflow (Optimo Remix)

Allmusic,dice:"Most of the criticisms leveled at Trevor Jackson's rumpus-room collaborative unit called Playgroup have little to do with whether or not the record's achievement matches its intention. The gripes tend to direct rolling eyes and yawns at Jackson's well-documented connections and his "been there, read about that" cred sculpting, and they also take Jackson's misty-eyed view of a particular period in music -- one that just happened to be back in vogue around the time of their self-titled album -- to task for being dunked too deep in the River Nostalgia. Admittedly, Jackson's references and the imagery with which he dresses them can be a bit stifling. Without hearing note one of the album, the prime directive becomes obvious to those who know their history half as well as the man behind it. Just through scanning the credits and the artwork, it becomes abundantly clear that Jackson and his post-post-punk jackals are feasting upon the early '80s, a period when all sorts of crossbreeding was taking place between pop, disco, rap, reggae, R&B, and post-punk. A casting call of luminaries from this period contribute to the album (reggae producer Dennis Bovell, Aztec Camera's Roddy Frame, Orange Juice's Edwyn Collins), as well as a handful of likeminded artists whose careers started a little or a lot later (Le Tigre's Kathleen Hanna, the Happy Mondays' Rowetta, Luca Santucci). Playgroup's heart is in the post-disco clubs of New York City with the occasional trip to Jamaica -- or London's view of Jamaica, as the record's dub reggae dabblings recall similarly styled post-punks like the New Age Steppers. Most importantly, the teeming exuberance and freshness of most of these predominantly verse-chorus-verse pop songs means that -- without the albatross of the "what came first" mentality -- just about anyone who places a premium on rhythm and melody can enjoy the record for what it is. Did the artists and producers that inspired Playgroup do it better? Of course they did. Jackson would probably tell you the same thing. But despite its entrenchments in the past (and a couple bum moments), Playgroup is a fanciful, diverse, reverential, and well-executed romp. Don't fight it. Feel it. [Playgroup was originally issued in the U.K. in 2001." by Andy Kellman

Disco Inferno - In Debt (1995)

Un tema te puede arruinar tu percepción de un grupo.Puede hacer que lo rechaces y no lo disfrutes hasta años después.A mí me sucedió con Disco Inferno.

Con el número 2 de la revista Factory, "regalaban" un recopilatorio en el que venía el tema "Starbound" de Disco Inferno.Ese tema ,sacado de su contexto (su obra maestra,"D.I. Go Pop"), puede parecer un horror,así que era el típico que pasabas en el Cd y ,con el tiempo, lo cogí mucha manía.Hasta tal punto llegó la cosa, que me negaba a escuchar nada de esta banda.Y creo que no fui el único.

Gracias a los muchachos de Rock de Lux me perdí a uno de los grupos imprescindibles de los noventa y el que mejor ha sabido recoger el legado de Joy Division.

Pero,también, gracias a un amigo que me pasó este disco pude recuperarlos.

Nunca os fiéis de un sólo tema,( ni de Rock de Lux,of course) y ,sobre todo,cuando todo el mundo se pone de acuerdo en poner bien a un grupo, es que algo debe tener.

Como el título de este pedazo de disco,estoy en deuda con ese amigo.

Allmusic, dice:"In debt" is right -- as bandleader Crause freely admitted in interviews in later years, Disco Inferno's beginnings were so clearly inspired by such post-punk luminaries as the Durutti Column, early Wire and above all else Joy Division, that on first blush it seemed unlikely the band would go further than fine nostalgia. 

The surprising touch on this compilation of the trio's first single, album and EP turns out to be how quickly the band started to evolve its own distinct identity. 

The first two tracks, "Entertainment" and "Arc in Round," made up the debut single; from the crisp slam of the drums to the intricate, delicate guitar work and non-melodic singing, Disco Inferno's Joy Division fascination hangs so heavy it's almost the work of a tribute band. "Emigre," the original opening track for the first album, is buoyed by a powerful, immediate combination of sparse drumming, digitally echoed riffs and loops and hints of synth use; the inspirations remain clear but the song itself is much more their own, brought home with a killer guitar solo and drum break at the end. 

Similarly fine, soaring numbers such as "Freethought" and more ominous tracks like "Bleed Clean" ("...or does your blood flow in a mess?") mesh with intriguing side efforts like the primarily acoustic "Hope to God." The final four tracks, from the post-album EP, really sees the band take off; "Waking Up" is Disco Inferno's first total masterpiece, opening with an echoed bass note, astoundingly subtle percussion samples, then the deadly calm lyric "A sky without a god is a clear blue sky." "Fallen Down the Wire" rips along to a sudden, unexpected end after an increasingly fierce build-up. All in all, a striking starting point for what was to come next."by Ned Raggett

Modern English - After The Snow (1982)

Dedicado a mi hermano,sin rencores.

Hay veces que uno no se entera de nada.Descubres un grupo por casualidad y luego resulta que uno de sus discos contiene uno de los singles más vendidos de los 80.Todo gracias a un anuncio de Burger King.

Ahora podemos comenzar el debate de cuántos anuncios han destrozado la credibilidad ,para cierto sector del público, de unas cuantas bandas.

Se me ocurren: Dandy Warhols, Moby (Bueno, este tío era ya bastante sinvergüenza),The Clash,Peter Björn and John...
La cara que se te queda cuando tu grupo preferido es el politono de la choni de tu vecina del primero es de abrigo.

Ya sé que algunos anuncios tienen que llevar música.Y propongo una idea:¿Por qué no poner música de grupos un poco más odiosos y ya comerciales de por sí?.
Se me ocurren: Muse,Tokio Hotel,Jonas Brothers...

Lo importante de este disco es que aparte del tema en cuestión ,"I Melt with You" hay una pila de temazos indiscutibles,como "Life In The Gladhouse","The Choicest View" o "Tables Turning" y que pese a que han pasado casi 30 años,suena como si hubiese sido grabado hace nada.

Allmusic,dice: ""I'll Melt With You" will forever be the one specific moment that's Modern English's place in pop history, but the album it came from, After the Snow, isn't anything to sneeze at. Indeed, in transforming from the quite fine but dour young miserabilists on Mesh & Lace to a brighter incarnation who still had a melancholy side, the quintet found exactly the right combination best-suited for their abilities. Like contemporaries B-Movie and the Sound, Modern English used punk and post-punk roots as a chance to introduce a haunting, beautiful take on romance and emotion, while the contributions of Stephen Walker on keyboard helped make the album both of its time and timeless. That said, the secret weapon on the album is the rhythm section of Michael Conroy and Richard Brown, able to shift from the polite but relentless tribal beat clatter on the excellent "Life in the Gladhouse" to the ever more intense punch of the title track, the album's unheralded masterpiece. None of this is to denigrate the contributions of singer Robbie Grey and guitarist Gary McDowell. The former's seemingly mannered singing actually shows a remarkable fluidity at points -- "After the Snow" again is a good reference point, as is the fraught, slow-burn epic "Dawn Chorus" -- while McDowell works around the band's various arrangements instead of trying to dominate them. Some songs, like "Face of Wood," even find Modern English -- often dogged with Joy Division comparisons early on -- predicting where New Order would go before that band got there itself. Still, "I Melt With You" is the main reason most will want to investigate further. A perfect pop moment that didn't have to strain for it, its balance of giddy sentiment and heartfelt passion matched with a rush of acoustic and electric guitar overdubs just can't be beat." by Ned Ragget

Magazine - Rays and Hail: 1978-1981 (1987)

Recopilatorio de una de las mejores bandas de post-punk.

Nacidos como una escisión de Buzzcocks,Howard Devoto fue su primer cantante, pronto abandonarían el punk más clásico de temas como "Shot By Both Sides" a composiciones más complejas como "Permafrost" o" You Never Knew Me".

La guitarra de John McGeoch daría el toque definitivo a unos temas ya redondos de por sí.
Como curiosidad cabe destacar que Los Nikis harían una versión de "A Song Under de Floorboards" ,titulada "La Canción de la Suciedad",en su impactante "Marines a Pleno Sol".

AllMusic ,dice:"The definitive single-disc collection of Magazine, a perfect starting point for the neophyte, Rays and Hail covers the three years of the band's existence with highlight after highlight on display. Devoto's mastery of a lyrical and musical approach that wedded chilly paranoia with explosive punk and post-punk energy -- as suspicious of emotion as Wire or the Gang of Four, yet at the same time more accepting and obsessed with emotion than most others at the time -- resulted in a series of jawdroppingly grand songs. Such compositions as "Feed the Enemy" and "Because You're Frightened" showcased the balance well, not to mention the excellent performances of such bandmembers as John McGeoch on guitar and Barry Adamson on bass. The only real rarity per se is the original single take on "Shot By Both Sides," one of the many landmark tracks Devoto and Pete Shelleywrote in early days together, and which, in Magazine's hands, become a fierce statement of intent. The incorporation of keyboards, in particular, helped give Magazine its smart edge, Devoto sounding both commanding and distanced on such tracks as "Back to Nature" and "A Song From Under the Floorboards" as guitars and queasy synth tones meshed to create weird, alien atmospheres. "The Light Pours out of Me" may well go down as Magazine's most epic, evocative song among the well-known numbers, McGeoch's guitar hitting truly dramatic heights as the relentless rhythm pounds forward. However, the inclusion of "Permafrost" on this collection makes for what could arguably be the band's most stunning moment. With Devoto's at once blunt yet evocative image of a relationship of some sort stretched beyond a breaking point captured in the lyrics, all that the music needed to do was capture the same disturbed vision. That it did, featuring a slow trudge rhythm treated to sound flat and unnatural, Adamson's fretless bass sounding warning notes as it goes." by Ned Ragget