The Auteurs - New Wave (1993)

Uno de los fenómenos más curiosos del Pop Británico es la guerra entre grupos, propiciada por ellos mismos o por la prensa.

Stones o Beatles y Blur contra Oasis son las más conocidas, pero existen otras guerras que se libraron casi en la sombra.

Destacaría varias: 

Ride - Boo Radleys: A pesar de compartir el mismo sello (Creation), hacia 1993 aprovechaban cualquier entrevista para ponerse a caldo, en especial Martin Carr de Boo Radleys ,que criticaba a Mark Gardener, cantante de Ride, por sus pintas de niño guapo.

Basta ver fotos de Mark Gardener en la actualidad para ver que, realmente, la belleza es efímera. A pesar del cariño que tengo a Ride doy como vencedor a Boo Radleys dado que su discografía, en conjunto, supera en calidad a la de Ride. Y es que después de Going Blank Again todo fue cuesta abajo para la banda de Oxford.

The Verve - Spiritualized: Esta guerra se debió a asuntos de mujeres. Kate Radley era la teclista de Spiritualized y novia por aquel entonces de Jason Pierce, lider de la banda. Pero llega un momento en que todo se acaba y siendo miembro de Spiritualized conoció a Richard Ashcroft,  lider de The Verve.

Poco después se casó con él, hecho que causó una tremenda depresión a Jason Pierce que tuvo como resultado uno de los mejores discos de todos los tiempos: Ladies and Gentlemen We Are Floating In Space (1997). Ese mismo año The Verve arrasó con Urban Hymns.

Sí, Ashcroft se llevó a la chica y tuvo éxito pero Pierce se llevó la gloria.

Blur - Suede - Elastica: Asunto de mujeres a tres bandas. Justine Frischmann fue guitarrista de Suede en su primera formación. En esa época era novia de Brett Anderson. Dejó el grupo cuando inició una relación con Damon Albarn, cantante de Blur. Pero para complicar las cosas la relación con Brett Anderson no había terminado del todo.

Fue cuando empezaron, tanto Anderson como Albarn, a dejarse recados en forma de chupetones a la Frischmann. Así cada uno sabía cuando había estado con el otro. Todo esto aderezado, eso sí, con declaraciones en la prensa en el estilo chulesco que sólo las bandas inglesas saben hacer.

Justine Frischmann formaría Elastica y poco después dejaría a Damon Albarn. Como consecuencia de la depresión que le causó esta ruptura compondría  Tender, uno de los peores temas de los 90.

The Auteurs - Suede: Competían por el prestigioso Mercury Prize de 1993 y se lo llevó Suede. A partir de entonces Luke Haines, líder de The Auteurs, aprovecharía cualquier ocasión para menospreciar con su sarcasmo característico a la banda de Brett Anderson.

Para ser objetivos ambos discos eran auténticas obras maestras, pero si tengo que quedarme con alguno sería con el debut de Suede. Suede triunfarían artística y comercialmente con sus dos siguientes trabajos Dog Man Star y Coming Up y The Auteurs se convertiría en un grupo de culto abonado a la mala suerte comercial con unos discos muy sólidos pero ya sin el brillo de New Wave, su disco de debut.

New Wave es, sencillamente, uno de los discos imprescindibles de la década de los 90 con un Luke Haines en estado de gracia tanto en letras, que reflejan la cara más sórdida de esos años en Inglaterra,  (con una complejidad que para sí quisieran Suede, musicalmente imbatibles pero con unas letras que casi nunca estaban a la altura), como en música, con temas tan rotundos como American Guitars, Show Girl, Starstruck o la delicada (y muy decadente) Junk Shop Clothes.

Allmusic, dice: "When the Auteurs released their debut album in 1993, the British press linked them with the massively popular Suede as part of a "glam revival."

While the band could blast out guitar-drenched rockers like Suede, the Auteurs came to life when they drew from the quiet side of such distinctively English guitar pop bands like the Kinks, the Smiths, and George Harrison.

Luke Haines, the group's guitarist, vocalist, and songwriter, wrote highly melodic pop songs that combined the airy melodies of Harrison with the cutting social observations of Davies; they were sharp, intelligent songs, full of humor and gorgeous melancholy, even when loudly rocking With their 1993 debut album, New Wave, the Auteurs established themselves as one of England's best guitar bands of the early '90s.

Driven by the bittersweet, ironic songwriting of Luke Haines, the band's carefully crafted, three-minute pop songs are in the vein of the Kinks, the Smiths and the Beatles, particularly the songs of George Harrison. Yet the band never sounds like imitators -- they combine their influences into a signature sound, distinguished by Haines' sharp lyrics and sighing melodies." by Stephen Thomas Erlewine

Scott Walker - Scott 2 (1968)

Mira, si te tiras el rollo hazlo bien, que nadie se de cuenta. Sí, te lo digo a ti, que seguro que lo has hecho alguna vez. A mi también me han pillado.

Generalmente cuando hablaba de grupos que no me gustaban, no lo decía porque había intereses de por medio. A mi chica (que por entonces no lo era, de ahí viene todo) le dije una frase que nunca ha olvidado: "Billy Corgan es un genio".
Por aquel entonces tenía bastante manía a Smashing Pumpkins pero la ocasión lo merecía: había que ganar puntos como fuera y decir algo así sobre su grupo favorito era marcarse un tanto, de esos que hacen que ganes un partido.

Cuando le pasé dos recopilatorios de los Smiths -The Best I y II,- era lo único disponible en CD cortesía, como no, de Papá Pop- el asunto (en cuestiones musicales) era misión cumplida. Es un poco irónico porque Smashing Pumpkins me habían gustado mucho, de hecho durante un tiempo estuve obsesionado, pero por aquel entonces (1998) no los soportaba. Hace poco me he vuelto a comprar sus discos (doble ironía).

Por otra parte a los Smiths los odiaba a muerte. Esto fue debido a la sobreexposición que tuve a los 12 años, que fue cuando mi hermano se compró el The Queen is Dead y no paraba de pincharlo a pesar de las quejas de mi familia ("¡Ya estás poniendo al llorón ese!" decía mi padre).

Pero no hay nada como escuchar la música en un ambiente propicio y si alguien pincha How Soon is Now en plena fumada y no te gusta es que tienes algún problema. Ahora tengo todos los discos de los Smiths y los de Morrissey.

Bueno, todo esto venía a cuento porque el otro día vi una peli con Steve Carell y Keira Knightley sobre una pareja que se conoce una semana antes del fin del mundo. La peli se deja ver, a pesar de que sale Keira Knightley. Es agradable y punto.

Como en toda película "indie" el director tiene que meter una banda sonora chula y muy enrollada. Y qué hay más cool que sacar el primer disco de Scott Walker en vinilo y que alguien lo pinche. Lo malo es que cuando empieza a sonar la música resulta que son ¡The Walker Brothers!. A lo mejor se creía que no nos íbamos a dar cuenta...

Scott Walker es uno de los casos más fascinantes de la Historia de La Música y una de los más enigmáticos. Muchos conoceréis su historia pero nunca está de más recordarla. De ídolo de masas , sobre todo para las adolescentes, a artista de culto.

Su carrera es un recorrido que va desde la música más accesible hasta la vanguardia más arriesgada y experimental.

Scott Engel nació en 1943 en Hamilton, Ohio. Su carrera comenzaría como músico de sesión y grabando una serie de singles en la línea de cantantes como Paul Anka, claramente orientados al público adolescente.

Poco después, en 1964 forma The Walker Brothers, con John Maus (guitarra) y Gary Leeds (Batería), haciéndose pasar por hermanos por su supuesto parecido físico.

En un intento de aprovechar la escena musical británica emigran a Reino Unido y es allí donde empiezan a cosechar sus primeros éxitos y, más tarde, desatan la locura de las fans.

Este hecho, la dificultad de lidiar con la fama y el deshacerse de la imagen de ídolo adolescente es lo que marcará la posterior trayectoria e Scott Walker.
A esto hay que sumarle un carácter huidizo y solitario, una sensibilidad extrema y unos gustos muy diferentes en música, cine y literatura (Sartre, Jacques Brel, del cual haría unas cuantas versiones  o Passolini, entre sus favoritos) de lo que se podía suponer en un ídolo de masas. Su timidez hizo que fuera difícil verle sin sus gafas de sol.

En 1967, tras tres discos muy recomendables con los Walker Brothers, inicia su carrera en solitario.

Ya en su primer disco, Scott, presenta sus señas de identidad, la introspección y la melancolía envueltas en unos suntuosos arreglos de cuerda y orquestaciones majestuosas.
Destaca su potente voz, llena de matices, que le convierten por derecho propio en uno de los mejores y más imitados cantantes de la Historia.
La temática de las canciones es otro punto que le diferencia: travestismo y prostitución (Jackie), críticas a los totalitarismos (The Old Man´s Back Again), plagas (The Plague), etc. 

Todo esto hizo que progresivamente perdiera el favor del público, y comenzase una carrera errática que empezaría con ´Til The band Comes In, cuya primera cara (del vinilo) sigue siendo magistral pero en su segunda cara da la impresión, parafraseando a Jarvis Cocker, de ser un artista que ha tirado la toalla.

Los años 70 los pasó con más pena que gloria con discos tan prescindibles como Stretch o Any Day Now.

Sólo será al final de esta década cuando remonta el vuelo con los sorprendentes cuatro primeros temas de su disco de reunión con The Walker Brothers, Nite Flights (1978). Estos marcarán el patrón que a partir de ese momento va a seguir Scott Walker: experimentación sin ningún tipo de concesión a su antiguo público.

A principios de los 80, en pleno post-punk, un recopilatorio seleccionado por Julian Cope ( Fire Scape In The  Sky : The Godlike Genius of Scott Walker (1981)), es el pistoletazo de salida del culto a Scott Walker.

Pronto empieza a ser reivindicado por gente como Bowie, Brian Eno o Marc Almond y posteriormente artistas como Jarvis Cocker, Neil Hannon de The Divine Comedy (Autor de las notas interiores del imprescindible recopilatorio Boy Child: 1967-1970 o Radiohead.

Ya en los 90 se inicia su etapa de radical experimentación con discos como Tilt (1995) y en los 2000 con  The Drift (2006) y el próximo Bisch Bosch .

En mi opinión esta nueva etapa o evolución es una ida de olla bastante seria. Aún reconociendo sus méritos, que los tiene, me parece que son obras destinadas al reconocimiento de la crítica pero que dificilmente pueden ser disfrutadas debido a su densidad, oscuridad y pretenciosidad.

Pero siempre podemos volver a sus cuatro primeros discos ( incluso ´Til the Band Comes In , es muy recomendable) para disfrutar de un artista único.

Mis preferidos son este Scott 2 y sobre todo Scott 4.

Allmusic dice:"Although Walker's second album was his biggest commercial success, actually reaching number one in Britain, it was not his greatest artistic triumph. His taste remains eclectic, encompassing Bacharach/David, Tim Hardin, and of course his main man Jacques Brel (who is covered three times on this album). And his own songwriting efforts hold their own in this esteemed company. "The Girls From the Streets" and "Plastic Palace People" show an uncommonly ambitious lyricist cloaked behind the over-the-top, schmaltzy orchestral arrangements, one more interested in examining the seamy underside of glamour and romance than celebrating its glitter. The Brel tune "Next" must have lifted a few teenage mums' eyebrows with its not-so-hidden hints of homosexuality and abuse. Another Brel tune, "The Girl and the Dogs," is less controversial, but hardly less nasty in its jaded view of romance. Some of the material is not nearly as memorable, however, and the over the top show ballad production can get overbearing. The album included his first Top 20 U.K. hit, "Jackie." by Richie Unterberger

Le Hammond Inferno - My First Political Dance Album (2001)

Este post está dedicado a Sally y a Papá Pop, que es el que se compró el disco en su momento.

Hoy voy a hablar de política. Y no voy a lanzaros un discurso sobre lo mal que están las cosas, el compromiso social, el 15M, el 25S, o la fecha que sea, que ya empieza a perder el sentido.
 Estas cosas han hecho que mi amistad con uno de mis mejores amigos se haya deteriorado hasta el punto de casi dejarnos de hablar.

A esta persona la conocí dentro de un armario hace casi 20 años. Exactamente el el altillo de un armario denominado "Novatera", donde los veteranos de nuestra residencia intentaban hacernos perder la vergüenza. No sé cómo denominarlo: rito iniciático, road movie dentro de un edificio o, simplemente, humillación colectiva.
Algo de todo eso había aquellos días. Estábamos a principio de curso y las novatadas eran una excusa perfecta para que los ilustrísimos veteranos tuviesen lacayos durante un mes y medio.

Debíamos sobrevivir a las putadas que nos hacían pero también a las resacas. Lo importante es que la política nos importaba una mierda.
Pero había gente que ya apuntaba maneras. El Decano de nuestra residencia acabaría siendo el presidente de la Comunidad Autónoma de Baleares.Un tipo muy majo, capaz de hablar con cualquier persona estuviese dentro a no de su grupo de amigos.
Ya se veía que lo de la política le iba bastante. Bueno, a ver cómo acaba porque con el historial de los políticos baleares...

Otro residente de nuestra época ocupa ahora también un puesto muy importante en la Ciudad Autónoma de Ceuta. Como veis la política nos rodeaba pero no nos afectaba, porque teníamos otros intereses...

Mi grupo de amigos por aquel entonces no era de lo mejorcito dentro de la residencia. A decir verdad, no hacíamos nada excepcional sino que no lo ocultábamos.
Unos años más tarde alguien nos dijo que éramos como la Mafia dentro de la residencia: si querías conseguir algo, nos lo pedías a nosotros.
Un poco exagerado, pero a veces la percepción que tiene la gente de ti y el desconocimiento de lo que haces, agranda la leyenda.

Después de la residencia, cada uno siguió su camino. El grupo se fue reduciendo cada vez más hasta quedarse en un núcleo duro de tres o cuatro personas- cada uno hizo su vida, como le suele pasar a todo el mundo con sus respectivos amigos-.

Pero hubo unos años, de 1998 al 2002, en que las fiestas que hacíamos o nos pegábamos hacían honor a la "leyenda". Eran los años del House. Como no sólo vivíamos de electrónica pura y dura, discos como este formaron parte de nuestra banda sonora. La mezcla irresistible de pop y electrónica lo hacía insustituible en fiestas y sesiones.

De hecho lo sigue siendo: Qué mejor que An Apple A Day con su sample de Fools Gold (el mejor tema de la Historia) de los Stone Roses para enlazar Madchester con la electrónica, en una sesión.
O Move your MP3, calzándolo después de Blue Monday (Sí, ya sé que estáis hasta los huevos de que lo pinchen) de New Order.

Legendarias, pero de verdad, eran las sesiones de Le Hammond Inferno, donde mezclaban lo mejor del indie con muchas referencias de su sello Bungalow, uno de los más divertidos de finales de los 90.

My First Political Album, es un pequeño hito en el pop de principios de los 2000. Aunque su supuesta carga política brille casi por su ausencia, esa es la política de la que quiero hablar con ese amigo que intento recuperar: La política de correrse una buena juerga.

All music dice: "If you're hip to the cutting-edge trends in Euro-dance pop, then you're probably familiar with the Bungalow label and its roster, which has included, at various times, such secret-handshake names as Stereo Total, Momus, Dauerfisch, and even Saint Etienne. Le Hammond Inferno is something of a vanity project by the label's two head honchos, Holger Beier and Marcus Liesenfeld, and it's really pretty much perfect. Veering crazily from tongue-in-cheek house ("Move Your MP-3" and "An Apple a Day") to Brazilian rap ("Herbert") and something that sounds for all the world like a trip-hop tribute to the Fall("C.K.-T-Shirts"), Le Hammond Inferno never quite descend into novelty-tune triviality, but never stop having fun, either. Highlights include the hilarious and aptly titled "Speech Defects" and that Brazilian rap number. Paradigmatic couplet: "Put your left hand in the air/And your mp3 in your underwear." By Rick Anderson

The Godfathers-The Godfathers (a.k.a.Golden Delicious) (1993)

El otro día, yendo por mi ciudad natal me encontré un ex-compañero de instituto con el que, aparte de llevarme muy bien, intercambiaba música. Él era el heavy de mi instituto y eran los años en que el indie todavía no se llamaba indie en España.
En esos momentos todo valía como música alternativa, indie o como cada uno la llamase. Podías escuchar a The Clash, a los Jesus and Mary Chain, a AC/DC o a los Stone Roses sin que ningún talibán indie te lo echase en cara. Eran los años en que se llevaban los vinilos por la calle sin bolsa. Todo el mundo se tenía que enterar que a tí no te gustaba lo mismo que a los demás.Y mucho más en un sitio como Segovia.

The Godfathers junto con los Pixies fueron los grupos que más calaron en mi amigo. La potencia de las guitarras de estas bandas tuvo mucho que ver. The Godfathers ya dejaban claro en su primera encarnación como The Sid Presley Experience cuáles eran sus influencias.Y esta amalgama de gustos es problablemente lo que hizo que en pocos años el público y la crítica les olvidasen. En cierto modo fueron víctimas de la transición de los 80 a los 90 que barrió del mapa a muchas bandas, las que no supieron adaptarse a los sonidos de moda.

Y no fue porque no lo intentaron. En su cuarto disco Unreal World , en temas como el que da título al disco,  Don´t Let Me Down o en I love What´s Happening To Me, la influencia del sonido Madchester es más que evidente, aunque no eran novatos en esto de la psicodelia.
Ya en su segundo y más exitoso álbum Birth School Work Death, temas como When I´m Coming Down o The Strangest Boy eran auténticos monumentos psicodélicos. 

La jugada de Unreal World sólo les sirvió para que su público más fiel les abandonara - aunque a mí me parece su mejor disco y uno de los que más cariño tengo de mi discoteca- y su compañía les diera el pasaporte.
Lejos de tirar la toalla, aunque ya sólo con los hermanos Coyne como miembros originales de la banda, más el guitarrista que ficharon como sustituto de Kris Dollimore para Unreal World, Chris Burrows, un auténtico mago de la guitarra y gran responsable de la deriva psicodélica que tomaron en ese trabajo. 

Con una producción tan sencilla como efectiva , Golden Delicious es un auténtico chute de energía. Para disfrutarlo sin ningún prejuicio,como en los años que The Godfathers tuvieron su pequeño momento de gloria. Pusilánimes, abstenerse.            

                                           

                                                                           

Sobre The Godfhathers, Allmusic dice : "The Godfathers were founded by brothers Peter and Chris Coyne in London in 1985. Vocalist Peter and bassist Chris were joined by guitarists Kris Dollimore and Mike Gibson and drummer George Mazur. Their debut album,Hit by Hit, was released in the U.S. on the indie label Link in 1986 and followed by Birth, School, Work, Death on Epic in 1988, which made the Top 100 bestsellers as the title song was played on album rock radio.

 The Godfathers missed the British punk revolution by a decade and were a few years too early before loud guitars became fashionable in England again. Consequently, the group's 1988 LP Birth, School, Work, Death is often overlooked. Released during the U.K. rave craze of the late ‘80s, Birth, School, Work, Death must've seemed completely dated in the barrage of pulsating electronic sounds that enveloped Britain at the time.

 Wearing Mafia suits and skinny ties, the Godfathers had a mean look that matched their name. And their sound was similarly tough: brass-knuckled punches in the form of menacing, explosive riffs; venom-spewing, nihilistic vocals; body-slamming percussion.

 Their third album,More Songs About Love And Hate (1989), featured the popular college radio track "She Gives Me Love," but was less commercially successful. They released a fourth album,Unreal World, on Epic in 1991." By William Rulhmann

Ride - Smile (1990)

Dedicado a Ana Rosa Quintana. Sin ella, esto no habría sido posible.

En mis años de universitario lo que nunca había era dinero.Y había que buscarlo de alguna manera. Trabajar era una opción que no se contemplaba.Como mucho, el típico trabajo de relaciones públicas de algún garito cercano a nuestra residencia de estudiantes. Pero estos puestos ya estaban ocupados.

Durante algún tiempo se barajaron cosas como la donación de semen pero, aparte del conflicto moral que acarreaba... bueno no era eso. Lo que no había ganas era de informarse de cómo hacerlo porque de lo otro, ya se sabe:en una residencia mixta las hormonas estaban disparadas y, en fín , no sigo por ahí...

Pero encontramos una forma de obtener dinero sin tener que hacer nada: como público de concursos y programas. Así que un buen día apareció un autobús y nos montamos rumbo hacia nuestros cinco minutos de fama. El programa era "Veredicto" con Ana Rosa Quintana.

Para los que no la conozcáis es o era - ya ni lo tengo claro - la reina de las mañanas televisivas españolas. También se hizo famosa por publicar un libro que en realidad fue escrito por un escritor "de color".
La mecánica de este show era muy sencilla: dos personas simulaban un contencioso que era resuelto por un Juez (que ya se había jubilado). Estaba todo lo amañado que os podáis imaginar. Luego el público -nosotros- opinábamos sobre qué nos parecía el asunto.

Lo bueno es que por asistir a esta pantomima te daban 2500 pesetas (unos 17 euros), aparte de conocer los entresijos de la televisión.
Hay que decir que había gente que era público profesional y no les hacía nada de gracia que intrusos como nosotros les quitásemos parte de sus ganancias.Creo que desde hace tiempo ya no te pagan por acudir a programas. También fue la primera y última vez que hicimos algo para ganar dinero. Eramos vagos hasta para eso...

El dinero lo invertí en el cd de Ride que estáis a punto de bajaros (1500 ptas) y un talego de costo (1000 ptas).
 Esta historia tiene una segunda parte. Os podéis imaginar que no era el mejor estudiante del mundo, así que ese verano, para variar, tenía que estudiar un huevo. Mi padre, en un intento de que salvase el curso, me llevó al centro donde estaba destinado para concentrarme y estudiar. Y entonces empezaron a ocurrir cosas extrañas.

El primer día ya me había pillado un pedo bastante gordo con mi padre (creo que es la única vez en mi vida que le he visto un poco "contento"). Tras ese primer incidente empecé a estudiar pero la concentración no llegaba. Además, dedicaba bastante tiempo a escuchar la radio.

En esos momentos Ride habían editado su tercer disco "Carnival Of Light", con el que muchos fans les dimos la espalda: la intensidad y las guitarras cargadas de distorsión habían dado paso a una especie de rock y psicodelia setentera. Escuchado ahora resulta un disco bastante aceptable, diría que incluso bastante bueno.

Pues bien, en uno de mis descansos de estudio decidí relajarme y ver un poco la tele. Al encenderla vi algo que me dejó helado. Sí, amigos de lo paranormal, quien salía en la tele...¡Era yo!

Cuando reaccioné me di cuenta que era una reposición del programa que me había lanzado a la fama, y es que había gente que me reconocía por la calle- eso sí que da miedo.

Y qué decir de Ride. Ha sido uno de los grupos que más me han impactado en mi vida. Su primer disco Nowhere lo compré en vinilo en un verano que pasé en Inglaterra con mi familia.

En el primer FIB (1995) pudimos ver su último e impresionante concierto. Esto se lo pude contar personalmente a Mark Gardener en una sesión de Dj que hizo en Madrid. Un tipo encantador...

Smile recopila sus primeros Ep´s y contiene 3 de sus mejores temas, auténticos clásicos del indie de los 90 Chelsea Girl, Drive Blind y Like a Daydream.

Espero que lo disfrutéis tanto como lo estoy haciendo yo al recuperarlo para el blog.

Allmusic, dice: "A pairing of Ride's first two EPs, Smile is a batch of eight muddy, shambling wrecks that run dangerously close to obscuring great pop songs. In fact, much of Smile makes My Bloody Valentine's blurry Isn't Anything sound as polished as a Steely Dan record. What makes the tunes remarkable is the spirit of the band, along with a complementary mix. The band probably knew exactly what they were doing, but wanted to sound clueless. It's the sound of four art students losing themselves in their record collections, wanting to sound naïve and fresh but well-studied. Mark Gardener sounds like he couldn't sing to save his life on "Chelsea Girl," but it's no matter.

The relentless rush of Loz Colbert's drums and distorted guitars of Gardener and Andy Bell carry the song, topped off by a nifty wah-wah climax. Though the mid-tempo, chugging "Drive Blind" could be taken literally, it could double as a metaphor for throwing oneself headlong into a relationship -- closing your eyes and not caring if a brick wall or cliff is up a mile ahead.

The remainder is filled out with sticky riffs and melodies which avoid sounding like the standard pop fair. It sounds a bit amateurish, and Gardener and Bell hadn't quite found their footing vocally. Nonetheless, Smile brought something new to the table, and the U.K. audience and more adventurous U.S. fans clutched onto the sound for dear life. Rightfully so. [Oddly, Smile's mastering comes from the vinyl versions of the EPs. If you can track down the CD versions of the EPs separately, you'll notice a difference in quality. Also, the disc was remastered and reissued by Ignition in the U.K. in 2001; unlike the other releases in the campaign, the new version has no bonuses.]"by Andy Kellman

Revolver - Baby´s Angry (1992)

En mi último trabajo como topógrafo tuve un jefe. Un momento, la palabra jefe me parece un poco ridícula.
Prefiero: encargado de sección, coordinador, responsable...no sé.

Cuando pienso en la palabra jefe me imagino a alguien que no para de darte órdenes, la mayor parte obviedades y/o absurdeces.
Es la viva imagen de alguien con el que debes tener los pantalones muy bajados (hasta los tobillos, más abajo no llegan).

También la relacionamos con Bruce Springsteen. Durante los 80 y principios de los 90 se le llamaba así, "El Jefe", aquí en España.

Luego empezó la tontería esa de llamar a todo en inglés y pasó a llamarse "El Boss". También a la saga de "La Guerra de las Galaxias" se le rebautizó como Star Wars.

Es curioso ese afán por intentar llamar a las cosas en su idioma original cuando somos, junto con Francia, el país europeo con el nivel más bajo de inglés.

Hay otro jefe menos conocido que "El Jefe" y no es otro que "El Hefe" de NOFX.

Y, por último, tenemos al imitador del "Jefe": el infame Carlos Goñi, líder y único miembro de Revolver.

Pues bien, ese jefe que tuve, hizo un blog que durante su escasa vida -son muchas veces que he intentado encontrarlo,sin éxito- sólo tuvo una entrada. En ella se dedicaba a despedazar al pobre Carlos Goñi.

Los que hemos tenido la "suerte" de escucharle no podemos culparle por el nivel de ensañamiento que exhibía en esa única entrada.

Este es mi pequeño homenaje a Kiko, ese último jefe en topografía.
Compañero, estés donde estés,¡Va por tí!

Por cierto, este video pertenece al primer single de su único disco,"Cold Water Flat".

Allmusic,dice:"Not an album so much as it is a rejigged compilation of the band's early singles on the Hut label -- and not a complete one at that, though only two tracks out of 11 are missing -- Baby's Angry is as good a collection of mid-tier, early-'90s shoegaze as it gets. In other words, it's not the end of the world, and definitely can't match the heights of the true geniuses working with the sound in general, but it's not a bad listen at all, either.

Mat Flint's voice, though it often aims for the whole wounded choirboy approach almost too well, often has an attractive lightness to it that works when the music really cranks up. When he sounds more like he's in the Dentists than a band that followed Isn't Anything, he's at his best, as "Red All Over" in particular shows. Overall, when the band as a whole goes for energetic guitar pop with fuzz as opposed to endless cascades, everything really shines, and one can audibly note the band getting more interesting and energetic over time. "Venice" is a great example -- it's one of the most rocked-out tunes that the band created, and the layers of vocals Flint adds to its Pale Saints-meets-Boo Radleys surge works as a treat.

Credit to Nick Dewey's drums adding some brisk punch, as he does on a good number of the songs -- "Molasses," the title aside, actually kicks along quickly on the verses and goes reasonably full-force on the break.

Perhaps the most pleasant surprise is the one cover version included -- "Since Yesterday," the fluke U.K. pop hit from Strawberry Switchblade in the mid-'80s -- Revolver's version can't quite equal it, to be sure, but it's still a mournfully captivating treat." by Ned Ragget

The Lotus Eaters - No Sense Of Sin (1984)

Los 80, esa época tan denostada. ¿Por qué?

Hay muchos motivos: las hombreras, las producciones de Stock,Aitken & Waterman, la final de la Eurocopa del 84, los pantalones pesqueros, la 1ª ola pija, Mario Conde como ídolo de masas, el i(te)talo disco (Sabrina, Danuta, Samantha Fox,etc) , la decadencia de la Movida Madrileña, las Stadium Bands y su puto Stadium Rock-Dire Straits,los U2 de The Josua Tree, los Simple Minds de después de New Gold Dream,etc,etc-, Chernobyl, el miedo a una guerra nuclear, la Guerra de las Galaxias (la de Reagan) y diversos traumas infantiles y preadolescentes.

Pero hay muchos motivos para reivindicarla: El techno-pop, el post-punk, el hardcore, los Smiths, New Order, Creation Records, 4AD-  la música independiente tal y como la conocemos ahora-, ir al cine y fliparlo (Indiana Jones ,El imperio Contraataca, Gremlins, Goonies, Regreso al Futuro -Spielberg, George Lucas-), los Amstrad, Spectrum y Commodore 64, que nunca tuve y que mis amigos, sí. La caída del muro de Berlín...

Parecía que en pocos años el futuro estaría a nuestro alcance y que todo era posible.
El mundo estaba pasando por una época muy oscura, una guerra nuclear era algo más que una posibilidad y se acababa de superar una crisis económica increíble.

Después del Punk, la oscuridad del post-punk fue la respuesta introspectiva a esa crisis, el pasar del "¡Jódete!" al "¡Estoy jodido!".

Y, de repente, una explosión de colores fluorescentes, de ropas extravagantes y de un hedonismo como no se había conocido antes. Una respuesta a un mundo hostil, a una represión en el caso de España.

Algo divertido y aparentemente intrascendente pero con una repercusión e influencia que llega hasta hoy día.

Y eso es lo que hay que recuperar de los 80, la evasión y el hedonismo como respuesta a la situación que estamos viviendo.
El compromiso está muy bien y hay que tenerlo,como las ganas de divertirse. No sólo nos están haciendo más pobres, también más tristes...

Debemos recuperar ese espíritu y discos como No Sense Of Sin.

The Lotus Eaters se formadon en Liverpool,en 1982 por Peter Coyle (voz), Jeremy Kelly (guitarra), también guitarrista de The Wild Swans, Mike Dempsey (bajo), también en The Cure,y Stephen Creese (Batería).

Tuvieron su pequeño momento de gloria con su primer single "The First Picture Of You" en 1983, pero cuando lanzaron el disco no tuvo ninguna repercusión, lo cual hizo que se separasen y The Lotus Eaters se convirtiesen en otro grupo de culto a añadir a la lista.

Este disco no es precisamente lo más divertido y representativo de los 80. Es una muestra de que en esta década también había romanticismo más allá de los "nuevos románticos" (para los más jóvenes, Duran Duran, Spandau Ballet, Visage, los primeros Talk Talk, etc).

Un romanticismo al estilo ochentero, ambigüedad, barroquismo a tutiplén- It Hurts,  es uno de los mejores ejemplos pero que,sin embargo, poseía una melancolía y una serenidad que los alejaba bastante de sus coetáneos, The Lotus Eaters, el tema, una maravilla acústica con un Peter Coyle en estado de gracia.

Que no os eche para atrás algunos aspectos de su producción, ni el muy gayer vídeo (quizás lo más ochentero de todo) : Estamos ante (otra) obra maestra desconocida del pop.

All music,dice:" The glimmering, jangly pop of the Lotus Eaters evokes images of lonely summer afternoons. Peter Coyle's dulcet vocals ache with profound yearning; Morrissey may have won the mope rock mantle in the '80s, but if the Lotus Eaters had become as successful as the Smiths, Coyle would've robbed him of the Sad Sack crown. No Sense of Sin, the Lotus Eaters' 1984 debut album, is a gorgeously crafted collection of melancholic guitar pop. "Love Still Flows" and "The First Picture of You" caress the ears with haunting piano and twinkling guitars; both songs unreel with a cinematic feel, the music and lyrics drawing sentimental memories from the listener's imagination. On the powerful "It Hurts," Jeremy Kelly's guitar sounds like a heart shrieking in pain as Coyle wallows in his grief. The starry-eyed keyboards and sing-along chorus of "German Girl" and spellbinding violin of "Set Me Apart" deepen the Lotus Eaters' appeal; they further explore Coyle's hankering for affection while lifting the spirits with sharp hooks. No Sense of Sin was reissued on CD by BMG Japan in 1998, and this version easily tops the original with ten bonus tracks, including the driving "You Don't Need Someone New" and the delicate "Two Virgins Tender." Unfortunately, the superior extended 12" version of "It Hurts" isn't included, but that's the album's only sin." by Michael Sutton

The Telescopes - The Telescopes + Celeste & Everso EP (1990 - 1992)

The Telescopes (Aka Higher´n´Higher) (1992)

Everso Ep (1990)

Celeste Ep (1991) 

A este grupo lo descubrí en un programa que se llamaba Plastic!.¿Alguien se acuerda?

Era cuando la televisión pública era realmente un servicio al ciudadano y te descubría nuevas bandas, cuando la tele no era la basura en que se ha convertido ahora.
En ese programa y otros de Telemadrid -que por mucho que se la critique,y hay mucho donde criticar ( ¡Esos "Informativos"!), siempre se ha caracterizado por emitir los mejores programas de música- descubrí cosas como The Godfathers, Kitchens of Distinction, Ride, My Bloody Valentine, The House Of Love y un largo etcétera.

El vídeo era "To Kill A Slow Girl Walking" y os podéis imaginar que con 16 añitos que tenía, me quedase acojonado.

No era para menos. Es una pena que con el paso de los años se pierda esa capacidad de sorpresa. Me empieza a pasar como esas personas que contraloban mucho de música y que les ponías alguno de tus nuevos descubrimientos y te los reventaban diciendo: "Esto suena a tal o a cual...", y, generalmente, te sonaban a dinosaurios de esos de los que renegabas.

Formados en Burton-On-Trent, en 1986, su formación original consistía en Stephen Lawrie (voz,guitarra y principal compositor), Joanna Doran (voz,Guitarra), David Fitzgerald (Guitarra), Robert Brookes,(Bajo) y Dominic Dillon (Batería).

Es uno de los grupos imprescindibles de la etapa dorada de Creation Records, la que va de 1989 a 1994. Por cierto, estoy preparando un post bastante extenso sobre este sello, que me está llevando más tiempo del que quisiera, a ver qué tal queda.

La carrera de los Telescopes ha sido bastante extraña, más que nada por ir un poco contracorriente. Debutaron con Taste (1989) un brutal disco que les hermanaba con bandas como los primeros Spacemen 3 o The Jesus and Mary Chain, actualizando el sonido de pioneros como los Sonics o los Stooges, añadiendo capas de distorsión y ritmos primitivos.

El mejor ejemplo del sonido de esta primera época es el espectacular temazo "To Kill A Slow Girl Walking" ,no incluido en Taste y editado en What Goes On Records, un sello americano que poco después quebraría. La mala suerte parecía que los iba acompañar.

Pero poco después, un cambio radical de sonido, mucho más psicodélico y atmosférico hace que recaben el interés de Creation Records. Allí editaron entre 1990 y 1992 los imprescindibles Ep´s Celeste, Everso y Flying que servirían de anticipo a su segundo disco, The Telescopes, editado en 1992.

Cuando digo que fueron contracorriente es porque cuando salió a la venta este disco,la psicodelia mancuniana empezaba a estar de capa caída,y temas como el propio Flying o High on Fire un par de años antes, en plena explosión Madchester, podrían haber arrasado.

La distorsión, aunque la hay, en temas como Ocean Drive, queda muy atenuada por lo que tampoco encajarían en la escena shoegaze, que también estaba dando sus últimos coletazos y en la que podían haber arrasado si hubiesen continuado en la linea de Taste, si hubiesen optado por temas más pop.

 Además, en 1992, el grunge estaba en pleno auge y las bandas inglesas tuvieron una travesía del desierto, que finalizaría con la edición del Parklife de Blur y el Definitely Maybe de Oasis, pero eso es , definitivamente, otra historia.

Finalmente, en 1994 , se separaron pero en 2002 volverían con otro cambio de sonido, mucho más experimental, con Stephen Lawrie y Joanna Doran como miembros únicos de la formación original.

Que disfrutéis de esta obra maestra de la psicodelia y de un grupazo de auténtico culto.

Allmusic, dice: "The Telescopes began as a run-of-the-mill British shoegazer band fully under the thrall of noise and My Bloody Valentine. Perhaps a little angrier than most of that ilk but pretty unmemorable. At some point however they discovered subtlety and songcraft. They traded in most of their noise pedals for some that make the guitars go all spacey and phased-out. They also wrote a batch of songs with melodies and hooks reminiscent of Love or The Notorious Byrds Brothers-era Byrds. The songs on The Telescopes are built on acoustic guitars, then the aformentioned tricked-out electric guitars are laid on top and garnished with bongos, organs, pianos and all sort of classic instruments. Stephen Lawrie's vocals are restrained and semi-emotional and female backing vocals add a touch of sweetness to the record that might be missing other- wise as the overall atmosphere is very moody and introspective. A large chunk of the credit should be given to producer Guy Fixsen, who also helmed some great records with Moose & Rollerskate Skinny and is a member of Laika. Sadly, The Telescopes split soon after this album came out but the classic sound they came up with here lives on in bands like Mojave 3 and the Verve." by Tim Sendra

Hüsker Dü - Everything Falls Apart And More (1993)

Es de sobra conocido y aparece en todos los libros de historia de la música que los padres- a estas alturas , abuelos- de la música independiente americana son: R.E.M. , Sonic Youth y Hüsker Dü. También es curioso darse cuenta de cómo las multinacionales devoran todo.
Por que estos tres grupos acabaron en ellas y alguno, como es el caso de R.E.M. ,se convirtieron en justo lo que odiaban cuando empezaban a grabar sus primeros discos: en unos auténticos dinosaurios del Rock.

Pero hay que remontarse a los años 80 para comprender su influencia y repercusión: Cada uno era de un lugar distinto: Sonic Youth eran de Nueva York y representaban la vanguardia de lo que allí se estaba cociendo.
A mí, personalmente, siempre me ha parecido que están sobrevalorados y que son insoportablemente pretenciosos.
Sí, tienen un par de discos de los que no deben faltar en ninguna discografía: Daydream Nation (bueno, tengo que decir que en su momento me decepcionó bastante, y que se lo vendí a mi amigo Willie por 1000 pelas (doble vinilazo, no hay día que no me arrepienta por haberlo hecho.

Aunque sabiendo que lo tiene él, y, también, por los motivos por los que lo vendí: Estaba en el colegio mayor y tenía que salir ese finde a toda costa, pues la pena es menor. También tengo que decir que lo intenté recuperar pero el muy- no lo voy a decir- no me lo quiso vender) y Dirty, su disco grunge, que este sí lo conservo, como oro en paño, aunque un poco desgastado por las veces que he pinchado 100% y Drunken Butterfly.

Mi manía a este grupo tiene ramificaciones un poco más enrevesadas. Aparte de ser favoritos de la crítica más pedorra, eran uno de los grupos preferidos de una de mis ex. Como siempre algo que relaciones con una ex, aunque no cabes mal, no va a ser juzgado de manera objetiva.

Lo de R.E.M. era un poco distinto. Provenían de Athens, Georgia, un sitio bastante menos cool que Nueva York.
No voy a decir nada de la escena Atheniense, ni de la ciudad porque no tengo muchas referencias. Salvo B52´s,  no conozco a ningún grupo de allí.

Lo importante es lo buenos que fueron y lo pesados que se volvieron. Pude disfrutarlos en un casi anonimato, por lo menos aquí en España, del 88 al 91. Discos como Document, Life´s Rich Pageant o Green, se convirtieron en albumes de cabecera para mí.
Pero llegaron Out of Time y la insufrible Losing My Religion (Uno de os himnos pijos de los 90), para acabar con la ilusión de que estaba escuchando algo especial.

Tardé varios años, casi 18 en volver a comprar un disco de R.E.M.  y fue porque estaba exiliado en Calatayud, en mi último trabajo como topógrafo.
 Estaba casi toda su discografía en liquidación, a menos de 3 euros por disco, y yo cuando veo ofertas de ese calibre me ciego y no puedo evitarlo.Cayeron Eponymus, Document, aunque ya lo tenía en vinilo, Life´s Rich Pageant, que lo tenía en cassette, y Monster, su disco grunge, menospreciado por crítica y público pero, qué queréis que os diga, un disco que tiene temazos como Crush With Eyeliner o Let Me In, no puede ser un mal disco.

Y, ahora, una reflexión: casi puede recordar en qué momento me compré un disco, dónde estaba y cuánto me costó. Puedo recordar que marcas, rayones en el CD o vinilo o huellas dactilares tienen el los libretos. En qué botellón, fiesta o sesión se me ha jodido tal o cuál disco. ¿Tenéis esos recuerdos con un MP3?. Ahí lo dejo...

Y luego vienen Hüsker Dü, para mí los más grandes del lote. Empezaron como un grupo de Hardcore, como tantos otros de esa época.Pero ya en sus inicios,el uso de la melodía les separaba del resto.
Esto es evidente en temas como Gravity y ,sobre todo, en In A Free Land, un auténtico pepinazo y clásico en mis cintas y sesiones de cuando me compré este disco,1993.En ese año aún seguía obsesionado por el punk y el hardcore, de hecho lo sigo, de vez en cuando necesito meterme un chute de energía y eso sólo me lo proporciona el punk o la electónica.

Hüsker Dü evolucionaron hacia un proto-noise pop y power pop o , simplemente pop, dejando discos imprescindibles como New Day Raising,Zen Arcade o Flip Your Wig.Después ficharon para una multi pero la suerte ya estaba echada. Problemas con drogas  , se rumorea, sentimentales entre sus dos principales compositores Grant Hart y Bob Mould acabaron con el grupo.

Después Mould, formaría Sugar un grupo indispensable en los años del...grunge. Esto ya lo reservo para un siguiente post.

En resumen, esta recopilación contiene su segundo disco Everything Falls Apart (1981) más los singles de esa época: Imprescindible.

Allmusic,dice: "On their first studio recording, Everything Falls Apart, Hüsker Dü demonstrate a sharper sense of purpose than on their live debut, Land Speed Record, but that doesn't necessarily make the album a breakthrough. Indeed, the trio demonstrates that it's capable of powerful noise, but not songcraft -- the only song with a discernible hook is their thrashing cover of Donovan's "Sunshine Superman." Still, the band's hardcore is better than many of its contemporaries because its grasp of noise is superior.
Even with the inconsistent songwriting, Everything Falls Apart rages with layers of blistering guitars and scorching rhythms that are exciting in their own right.

Rhino's reissue of Hüsker Dü's shattering first studio album includes a couple of rare singles, making it a must-have for the band's fans, as well as anyone interested in hardcore punk rock.

Anyone unfamiliar with Hüsker Dü's early work should brace themselves for a breakneck force like no other. Not for the faint of heart." by Stephen Thomas Erlewine

Happy Mondays - Live (1991)

Happy Mondays son uno de los mejores ejemplos de la otra cara del Rock`n`Roll Way of Life. Sus excesos van estrechamente unidos a su música. Las anecdotas de este grupo son de sobra conocidas para los que hemos seguido su carrera.

Por cuál se podría empezar: Por la de que su camello, Bez, entró al grupo como animador y bailarín (bueno, también tocaba las maracas), convirtiéndose en uno de los iconos del sonido Madchester.

 O cuando se fueron a grabar Yes Please a Jamaica, fundiéndose toda la pasta en drogas, para más tarde secuestrar el máster del disco y pedir más dinero por él y, de paso, dar la puntilla a su discográfica, la mítica Factory.

Porque sobre todo hubo drogas, muchas drogas. Shaun Ryder, el cantante de Happy Mondays, hace poco declaró que no recuerda nada desde 1990 a 2006.

Cuando Shaun Ryder fundó Black Grape y estaba de promoción de su primer disco, el fantástico It´s great When You´re Straight,Yeah!  ,debido a sus problemas con las drogas le fue prohibida la entrada a Estados Unidos. Pues no se le ocurrió otra cosa que presentar el disco en... ¡Cuba!.

Todo esto nos da una pequeña idea de que clase de personaje es Shaun Ryder. Y este fue uno de los motivos por los que cuando pegaron el pepinazo con su Pills And Thrills And Bellyaches yo no me los tomase muy en serio.

Siempre preferí a los Charlatans y a Inspiral Carpets. Se conoce que por entonces era un tipo un poco aburrido porque si hay alguien que ejemplifica la diversión y la locura esos son Happy Mondays. Si es que hasta el nombre es una genialidad.

No fue hasta años después ,en parte por la insistencia de mi amigo Willy (un saludo si lo estás leyendo), que no paraba de ponerlos en los botellones que hacíamos en nuestro colegio mayor,hasta que aprecié la magnitud de la discografía de los Mondays. Sí, irregular, con algún bodrio que otro pero con uno de los mejores y más divertidos discos de la Historia de la Música,Pills And Thrills And Bellyaches.

Estoy pensando que soy tan fan de esta banda que hasta el desnostadísimo Yes Please , me gusta. Y mucho.

Tuvieron que pasar unos cuantos años más para poder disfrutarlos en directo. Aún en una versión muy descafeinada (de la formación original sólo quedaban Shaun Ryder, el batería y Bez,genial, como era de esperar) dieron un conciertazo increíble. Dio la casualidad que coincidían en horario con New Order y tuve que elegir:¡los dos!. Los Mondays ganaron por goleada contra todo pronóstico. En el caso de New Order, la edad y la desgana no perdonaron...

Este disco es una muestra de lo que eran capaces en directo,como siempre de lo mejor y lo peor. El sonido no es muy bueno, os daréis cuenta en la tremenda versión de WFL pero es muy, muy disfrutable. Garantizado por Producciones Woofer.

Allmusic,dice: "While the band frequently sounds stiff, and Paul Ryder frequently sounds stoned, Live is a better proposition than it sounds. Instead of relying strictly on the studio arrangements, Happy Mondays open up their grooves and play some new songs. It's an intriguing album, especially for dedicated fans, but it's not as convincing as Pills 'n' Thrills or Bummed." by Stephen Thomas Erlewine

Saint Etienne - Too Young To Die (Singles 1990-1995) (1995)

Alguna vez has escuchado una canción en un bar o la radio (cada vez más difícil), te ha dejado K.O. y has tardado unos cuantos años en saber de quién es. Pues a mí me pasó con Nothing Can Stop Us .

Recuedo ir a la desaparecida Sala Maravillas y escuchar este temazo.después solían poner Un Rayo de Sol de Le Mans. Buena secuencia. Por cierto, Teresa Le Mans, años después me dio clase de Diseño Cartográfico. Un encanto de persona, igual que su música.

Por entonces (1993) no tenía ni idea de quién era Saint Etienne, si acaso, había visto su foto en algún NME, y, cómo no, me había enamorado de su cantante, Sarah Cracknell. A mí en ese momento no me interesaba ese tipo de música,salvo algún tema que otro.

Fue años después, estudiando en Avila mi enésimo año de I.T.en Topografía, cuando un compañero de carrera me dejó este maravilloso disco. Eternamente agradecido,César.

Fue entonces cuando dije:¡Era este tema!. Menos mal que ahora con internet, no hace falta que pase tanto tiempo para que una canción caiga en tus manos...

Por lo demás estamos ante un auténtico no parar de temazos. Desde la increíble versión del Only Love Can Break Your Heart, de Neil Young  hasta el trallazo europop de He´s On The Phone, es un auténtico festín para los oídos.

Eso sí, Pale Movie nunca me ha gustado, lo siento.

Allmusic, dice:"Although their albums were considerably more consistent than most dance-pop acts, Saint Etienne's high points were always their singles. Released prior to a quiet, lengthy hiatus, Too Young to Die collects all of their singles, from their debut disco cover of Neil Young's "Only Love Can Break Your Heart" to their last, "He's on the Phone," providing a thoroughly entertaining chronicle of the group's career. Much of the music sounds somewhat dated -- which is always a problem with dance music -- but Saint Etienne was essentially a very good Euro-pop band, reveling in kitsch and style in equal measure. At their best -- "Only Love Can Break Your Heart," "You're in a Bad Way," "Join Our Club," "Who Do You Think You Are," among others -- they found the heart in nightclubbing. The quality of the music dips slightly in the latter half of the album, but there is prime pop throughout the disc."by Stephen Thomas Erlewine

The Wild Swans-Incandescent (2003)

The Wild Swans es el ejemplo perfecto de la perseverancia dentro del Pop. De la perseverancia y del fracaso. Inmerecido, por supuesto.

Con su primer single "The Revolutionary Spirit" firmaron uno de los mejores temas de los 80. Tuvo un pequeño impacto en las listas pero no se materializó el album que debía ponerlos en su sitio.
Su sello Zoo, dirigido por Bill Drummond, que más tarde sería una de las cabezas pensantes de KLF (Ya habrá un post de estos francotiradores de la escena electrónica), cerró.

Este fue el fin de la primera encarnación de The Wild Swans. Paul Simpson, su lider y cantante, formó Care con Ian Broudie, quien a su vez formaría Lightning Seeeds y se convertiría en uno de los productores más solicitados.

Jeremy Kelly, guitarrista, formaría The Lotus Eaters y escribirían uno de los debuts más emocionantes de la década, No Sense of Sin, una auténtica maravilla.

De esa época nos quedan las caras B y Peel Sessions que es el material que se recopila en este Incandescent.

La segunda encarnación de la banda llegaría en 1988, con el album Bringing Home the Ashes. Aún manteniendo la esencia del sonido original de Wild Swans, los temas tienden a una épica que los emparenta con los U2 más mesiánicos.
Es decir, son peores comparados con el nivel de execelencia de sus primeros singles, pero dan mil vueltas a lo que muchas bandas hacían por entonces.Y contiene auténticos temazos.

Un tercer intento en 1990, con Space Flower, con la ayuda de Ian Broudie, supone un bajón de calidad, en parte porque se aleja un poco de su sonido característico, el de las mágicas guitarras de Jem Kelly.

Y su último intento de alcanzar el éxito que se le ha escapado estas tres décadas, The Coldest Winter in a Hundred Years que supone un regreso a su sonido y a la inspiración, pero que, tristemente está destinado a pasar desapercibido.

Este recopilatorio es la muestra de una banda única que debería haber tenido/tener mejor suerte.


Paul Simpson definió así lo que han sido estos años en los que la suerte le ha dado de lado:

"For me The Wild Swans was like a beautiful, holy, sexy, disturbing, dreamy nightmare about breaking into heaven to have sex with the angels. Unfortunately I was woken from my reverie by someone yelling into my ear "Paul, it's 3 a.m. it's pissing with rain, it's your turn to clean the toilet and, oh yeah, your dog is dead".

Allmusic,dice:"To say that the original early-'80s incarnation of the Wild Swans had a reputation outsized by its formal releases puts it mildly -- only one single was ever released, but such was both the impact of the band on its times and the long shadow it cast that the release of Incandescent seems like a logical conclusion more than a case of overkill. It is, certainly, as exhaustive as one could want -- both sides of that single, "Revolutionary Spirit" and "God Forbid," in both U.K. and U.S. mixes, are here, plus three BBC radio sessions and assorted studio and live tracks, as well as an astonishingly large set of liner notes, including commentary on every track by bandleader and iconic figure Paul Simpson among other essays. It's very much a fan's dream first and foremost, and as enjoyable and inspiring as "Revolutionary Spirit" is, Simpson's own recollection of the rough and limiting conditions it was recorded under matches the murky-yet-soaring end results of the U.K. mix. It's a post-punk landmark of swift rhythm, rich guitar and wide-eyed vocal power that is still a flawed diamond ("God Forbid" might actually be the more powerful number, though it's more Echo & the Bunnymen-like in comparison), and most casual listeners would need no more than this, or the cleaner U.S. mix. In comparison, meanwhile, the tracks from the three radio sessions are the real heart of the collection -- repeating no cuts from the single or each other, and often consisting of songs newly created for each one, they collectively function as the mini-album that never was, and the no-frills yet professional sound serves the band much better. As a result, songs like "Flowers of England," "Now You're Perfect," "No Bleeding," "Crowning Glory" and "Enchanted" all collectively serve notice to the band deserving to be ranked among legends like Orange Juice, the Sound and the Comsat Angels. The live set, from a show opening for Echo in late 1981, is equally strong, fairly to very well-recorded and proof that the band could bring it live and then some, the rhythm section (with Joey McKechnie on drums) ripping along and Simpson's guitar cascading from the sky."

Hope Of The States - The Lost Riots (2004)

A veces una tragedia personal puede suponer un revulsivo y otras es el principio del fin. Un poco de estas dos cosas es lo que les pasó a Hope Of The States.

Pasaron de tener un futuro prometedor a separarse, en cuestión de tres años y todo desencadenado por esa tragedia.

Cuando su primer single alcanzó el número 25 de la lista de ventas, su guitarrista, James Lawrence decidió suicidarse.

No sólo no abandonaron sino que esto les llevó a completar un disco unos meses después que es  un derroche de emociones y épica desbordada.

Es quizás un compendio de alguno de los mejores discos que sonaban esos años: Temas como "The Black Amesias", nos recuerdan a los Mogwai más accesibles,"Enemies/Friends" es el single que nunca harán Coldplay y "Black Dollar Bills", sería el único tema bueno de Sigur Ros, si es que alguna vez componen algo bueno.

Si a esto le sumamos otros temas de igual calado emocional como "Me ves y sufres" o "The Red The White The Black The Blue", tenemos uno de los mejores discos de los 2000.

Lástima que no tuviera continuidad en su segundo y último disco ,"Left" que para mí es un paso en falso del que no se recuperarían.

Por otra parte el sesgo político , pero no panfletario , de muchas de sus letras lo hacen más necesario hoy en día, cuando la profesión (sí, profesión) de político está más que cuestionada. Y esto con unas canciones de estructura compleja, infinidad de matices y magistralmente ejecutadas - Si, lo habéis adivinado: Obra Maestra.

All music,dice:"Hope of the States lost one of their best friends during the recording of The Lost Riots. They could have given it all up to mourn the loss of founding guitarist James Lawrence, but their dedication to one another and to their music could not be disregarded. The majestic soundscape that is The Lost Riots honors the band's personal bond and cherishes the memory of their late friend, but that's merely a stepping stone. Sam Herlihy's bittersweet vocal delivery during the piano-driven ballads "Don't Go to Pieces" and "Sadness on My Back" matches the heartache previously displayed by Starsailor's James Walsh. He's even a touch like Richard Ashcroft, a working-class poet in progress much like Ashcroft was during his latter years with the Verve. With their tragic loss aside, there's a lilting sense of comfort surrounding the 13-song set. Hope of the States compose a youthful, rebellious spark found in those who raise a fist against corporate establishment. The dynamic of love and loss will never rest, and it bursts with a millions fibers and a few tears as Hope of the States channel their frustration for the man versus man equation. Herlihy's heavy-hearted voice and Mike Siddell's atmospheric violin arrangements during "Enemies/Friends" immediately set the anthemic tone of The Lost Riots. Words as simple as "Come on people/keep your friends close/your enemies won't matter/in the end" makes it all seem so easy. Hope of the States encourage those people to take a stand against anything that challenges faith. It's just their sharp, yet sensitive approach that makes The Lost Riots emerge honest and true. Even the more ambitious numbers like "The Red the White the Black the Blue," a downpour of acoustic guitars, pianos, and percussion, and the old-timey jangle "George Washington" don't come off as pretentious or overly earnest. It's likely that Hope of the States are firm in questioning a bullying United States, but the songs are open-ended enough so that they could be about anything to anyone. Genuine sincerity is the key to their success, and The Lost Riots breaks apart the darkness of personal tragedy for a joyful daybreak. Herlihy softly croons "I've seen from broken people smile" at the start of "Black Dollar Bills." If that's not enough to impress you, the soaring exclamation of "Nehemiah" is promising. The double-cross of emotions holds The Lost Riots together, thus making Hope of the States' first introduction an impressionable one." by Mackenzie Wilson

Felt - Absolute Classic Masterpieces (1992)

Hay que tener mucha seguridad para titular de esta manera una recopilación, disco ,o lo que sea.
pero es que Lawrence siempre lo tuvo muy claro. Si Lawrence, a secas, como si fuese el único(lo es).

Un plan,diez discos en diez años.Y si había que grabar dos discos instrumentales para lograrlo se hacían (Train Above the city,casi se lo podían haber ahorrado.Incluso se rumorea que Lawrence no participó en él,que sólo aportó los títulos de las canciones ).

También lo tenía claro en el aspecto estético.Pocas fotos,escaso material videográfico para aumentar el misterio.Y bastantes excentricidades por el camino:el primer batería de Felt fue expulsado por tener el pelo rizado, el estricto comportamiento de Lawrence con las drogas,el tabaco y el alcohol.

Felt,fue uno de los grupos más importantes de su época,aunque esto nunca se reflejó en ventas pero si en un creciente culto por parte de crítica y público que aún se mantiene.Fueron de menos a más y este recopilatorio de su primera etapa en Cherry Red así lo atestigua.Desde la perfección de los primeros temas, Primitive Painters, con la voz de Elizabeth Fraser o Crystal Ball,con unas guitarras espectaculares, a la aspereza de temas Something Sends Me to Sleep o Index.

Este disco es una excelente manera de meterte de lleno en el universo de Lawrence Hayward y Felt.Para mi fue el descubrimiento de una de mis bandas de cabecera.

 

Allmusic,dice:"Absolute Classic Masterpieces documents the dark jangle pop of Felt between the years of 1979 and 1985; it's a best-of collection for a band that always deserved more attention. The tracks run in reverse chronological order, starting with "Primitive Painters," a song that charts the territory where the Cocteau Twins, the Fall, and the Smiths overlap, and ending with the very first demo single "Index." The order of the tracks means that you are listening to the band devolve into its influences, and the effect is enjoyable. "Primitive Painters" is a lost treat if ever one existed; along with the next three tracks, it was produced by Robin Guthrie of the Cocteau Twins. "Primitive Painters" also features Elizabeth Frazer of the Cocteau Twins on vocals. Guthrie is not the only famed producer whose work appears here; three John Leckie tracks are also included, from the Strange Idols Pattern & Other Short Stories album. While most of the slower songs appear toward the end of the album, making it a somewhat sleepy affair as it winds down, there are charms like "The World Is as Soft as Lace" to liven things up. "Penelope Tree" sounds a bit like Lou Reed fronting the Cure. There's great material to be found throughout the work of Felt, so this collection would work regardless of its running order. Newcomers looking for their first Felt album should start here, with the knowledge that there is quite a bit of dark atmosphere layered over the pop charms within. While these songs might not be masterpieces, as the album title would have you believe, there are many near-masterpieces of moody jangle pop just waiting to be rediscovered."By Tim DiGravina

Baxendale - You Will Have Your Revenge (1999)

Grupos que merecieron mejor suerte, parte...

Pero en este caso no sé si fue por vagancia o porque no lo merecían realmente,es posible que en su momento los tuviese sobrevalorados.Nunca fue un grupo muy prolífico:creo que sólo tienen este disco y un maxi que sacaron en Kompakt en 2005.

A pesar de esto tienen, en mi opinión, uno de los mejores singles de los 90, y a la vez es uno de los temas que más he pinchado en mi vida, Music For Girls,una irresistible mezcla de tecno-pop, con una letra digna del Jarvis Cocker más inspirado.

Porque en eso consiste este disco,en temas a veces más (la mayor parte de las veces) o menos inspirados con unas letras que van desde la revancha que anuncia el título,en Switzerland a la nostalgia post-adolescente como en I Love the Sound of Dance Music (Muy New Order, este temazo) o Contact Lenses.Las letras,en cambio siempre mantienen un nivel muy alto y en los momentos más melancólicos tienen una ironía que las alejan de la típica angustia adolescente.

En resumen, para todo aquel que aprecie el tecno-pop, un pequeño clásico a recuperar.

Allmusic,dice:"Baxendale exists in a place where pop meets Euro-dance with a sincere love for the '60s. Like the cover art (a map of London's subway system), each song on You Will Have Your Revenge travels to a slightly different place in the London underground club scene. 

Some songs opt for a techno feel, while others venture into very poppy territory. Whatever the case, Baxendale loves synthetic sounds and the bandmembers have a knack for making the cheesiest of sounds seem palatable. Tim Benton delivers bouncy vocals with the deadpan delivery of Pulp's Jarvis Cocker in his exaggerated, dramatic style. 

Though neo-synth poppers Ladytron may be somewhat more convincingly serious, Baxendale has more fun. And truly, novelty seems a high priority for this crew, as the record's leadoff track, "Music for Girls," sets a humorous, self-effacing tone. Though much of their shtick is tongue in cheek, they keep their social commentary to a minimum. 

Baxendale is in a difficult place though, aiming to be critical in such an uncritical forum as Euro-dance music. And listeners may be reluctant to buy a Baxendale record when they could buy an album by the genre's masters, the Pet Shop Boys. In this regard, Baxendale has succeeded in updating the form of dance-pop from the more credible indie side of things, rather than reworking moronic dance tracks for a major label. 

Thankfully, not every track is bouncy electro fun. Some take their time and, though hinting at an electronic infatuation, they aren't quite as suitable for Saturday night club fun. Although critical, the members of Baxendale for the most part enjoy being immersed in the realm of dance-pop and they do it superbly, mixing oddly placed beats and lyrics within a well-balanced danceable pop tune." by Ken Taylor

The Sound - From The Lion´s Mouth (1981)

The Sound es uno de los grandes grupos ocultos de la historia de la música.Tuvieron todos los problemas imaginables en una banda:Drogas,desórdenes mentales,mala distribución de sus discos y problemas con sus discográficas.

A esto se unía una falta de imagen y una ausencia de declaraciones más o menos llamativas en la prensa.No eran unos Echo And The Bunnymen, con los que se les tendía a comparar, con sus abrigos y peinados impecables y con un cantante como Ian Mcculloch, siempre dispuesto a dar titulares.

Y el final no pudo ser más dramático.El 26 de Abril de 1999,tras sufrir de depresión durante más de 14 años, Adrian Borland , el cantante y principal compositor de The Sound,se suicidó lanzándose a las vías de un tren.

En muchas de las letras de sus canciones reflejó esa lucha que tuvo con su enfermedad,en especial en canciones como Fatal Flaw o Possesion, en las cuales y sin muchos aspavientos consigue que seas capaz de empatizar con su estado de ánimo.

Otras como,Silent Air, transmiten una melancolía pero de una forma tan contenida que es difícil de encontrar en grupos de esa época, donde valía todo para conseguir impacto emocional.

En resumen, nos encontramos ante una de las obras cumbres del post-punk.Uno de esos discos y grupos que hay que reivindicar para que no sufran el olvido que tuvieron en su momento.

Por último dar gracias al blog The Commercial Zone,por descubrime este grupo y a Nacho la persona que lo llevaba,que por cierto tiene una de las mejores tiendas de discos de Madrid,Commercial Records(La Palma 78).

Si tenéis algún medio parqa pinchar vinilos,ya que sólo vende principalmente en este formato, os aconsejo que os deis una vuelta por ahí:tiene un material increíble.

Allmusic,dice:"An assured, relatively loose follow-up to the fraught and frayed Jeopardy, From the Lion's Mouth entrenched the Sound's stature as no mere flash in the pan. It should have shot them directly between spots occupied by the like-minded Joy Division and Echo & the Bunnymen as post-punk legends, but the Fates had something else in mind, and so the quartet took their place right next to touring mates the Comsat Angels in the section marked "Deserved Better." With some semblance of a recording budget, the Sound went into the studio with talented producer Hugh Jones on board to accentuate the band's winning atmospherics. As a result, the sound is fuller, less pungent. And speaking of winning, the snake-charming opener "Winning" is like a dash of cold water in the faces of all the bands that were wallowing and withering away at the weeping well: "I was going to drown/Then I started swimming/I was going down/then I started winning." This, in a sense, exemplifies the point that the Sound were not mopes. They had their problems with life, but rather than just vent or escape from them, they confront them and ask questions and attempt to sort it all out. Most of the record has an effortless thrust to it, and only occasionally -- for maximum effect -- does the Sound whip out the heavy artillery. If "The Fire" sounds too bombastic and pummeling, listen closer. The bass is the lead instrument, the keyboards are just as prominent as the guitars, and it only sounds like chest beating compared to the rest of the songs. From the Lion's Mouth shifts, glides, winds, accelerates, and decelerates with all the grace and precision of an Olympic downhill skier. And what a great record it is." by Andy Kellman